De la préhistoire au XXIe siècle l’art a connu un enrichissement continu. La plupart des innovations n’ont pas été pensées dans un but artistique. Ce sont les phases évolutives de la pratique par les artistes qui font tout l’intérêt de ces inventions.

Quel artiste contemporain n’utilise pas certaines techniques héritées de l’antiquité ou d’autres périodes de l’histoire de l’art ? Du support papier inventé il y a 2000 ans en passant par la peinture en tubes. De la camera obscura à la photographie jusqu’à la dématérialisation actuelle.

1) Le papier

Feuille de papier_ photo Pixabay
Feuille de papier – photo Pixabay

Inventé en chine il y a plus de 2000 ans. Le papier est résistant, léger et peu coûteux. C’est au départ l’essor de l’imprimerie qui va conduire à la diffusion de la technique de fabrication du papier à partir de la chine vers l’Europe. Dans un premier temps c’est donc plus l’écriture que les arts visuels qui est concernée. Cependant l’écriture dans sa dimension calligraphique relève pleinement de l’art. Pensons aux peintres lettrés en Chine.

Shen Zhou  (peinture) et Wang Ao (poème) Ode to Pomegranate and Melon Vine -
Shen Zhou (peinture) et Wang Ao (poème) Ode to Pomegranate and Melon Vine –
Detroit Institute of Art

En Europe la belle écriture, notamment présente dans la décoration des Chartes, apparaît à l’époque Carolingienne (de 751 à 987), mais les artistes vont tarder avant de remplacer le parchemin par le papier. A partir du XVe siècle et la diffusion du livre, la belle écriture va être accompagnée des enluminures peintes.

Beaucoup plus tard au XIXe siècle, le développement de la photographie doit beaucoup au papier. Puis avec le cubisme, Braque et Picasso au début du XXè siècle mettent ce support au cœur de leurs expérimentations avec leurs fameux collages dans lesquels toutes sortes de papiers sont utilisées.

L’art conceptuel également fait usage de papiers manuscrits ou imprimés.

2) La peinture à l’huile

Robert Campin, Triptyque de l'Annonciation vers 1432 conservé au Metropolitan Museum of Art
Robert Campin, Triptyque de l’Annonciation vers 1432 conservé au Metropolitan Museum of Art

On doit le développement de cette technique aux artistes du Nord de l’Europe au début du XVe siècle. Grâce à des démonstrations virtuoses d’artistes comme Jan Van Eyck, Robert Campin, la peinture devient rapidement la technique la plus utilisée en occident.

La peinture à l’œuf et à l’eau utilisée pour les fresques et panneau va être remplacée par la peinture à l’huile. Cette dernière a cet avantage de sécher lentement ce qui permet à l’artiste de revenir sur son travail. Sur toile la peinture à l’huile à l’avantage de bien sécher sans trop se rigidifier.  

Cette technique permet également aux peintres de dessiner dans la couleur ce que vont faire de grands artistes dès la Renaissance Italienne jusqu’aux créations contemporaines.

3) La perspective linéaire

Comment rendre compte de la profondeur sur une surface plane ?

Technique de la perspective linéaire - photo wikimediacommons @GRDROND
Technique de la perspective linéaire – photo wikimediacommons @GRDROND

Cette technique fut formulée pour la première fois par Léon Battista Alberti en 1435 dans son traité De pictura, en des termes plus ou moins limpides. Voici ce qu’il en dit.

Une perspective pyramidale dont la base était le plan du tableau et le sommet le point de fuite.  Le tout à l’intérieur de l’image.

Cette technique révolutionne la peinture de la renaissance italienne au Quattrocento. De grands maîtres comme Masaccio avec sa trinité de Santa Maria Novella ainsi que Léonard de Vinci montrent alors leur intérêt certain pour la perspective.

L' Annonciation, Léonard de Vinci, conservation à la Galerie des Offices à Florence -  photo wikimediacommons

L’ Annonciation, Léonard de Vinci, conservation à la Galerie des Offices à Florence – photo wikimediacommons

Au XVIIe siècle l’attention des peintres flamands pour le réalisme des espaces demande une parfaite maîtrise de la perspective. Néanmoins peu à peu cette recherche diminue même si certains artistes comme René Magritte ou Giorgio de Chirico vont adapter cette perspective afin de renforcer leur univers très personnel.

4) Le portrait

Avant la photographie il n’y avait pas d’autres moyens que la sculpture ou les portraits peints pour conserver le souvenir de l’apparence d’une personne. Il est également important de comprendre une évolution de la définition du portrait.

On attribue généralement les premiers portraits aux artistes de l’Egypte Antique (troisième millénaire avant notre ère). Un peu plus tard au premier siècle, toujours en Egypte une série de portraits nous sont laissés, les Portraits du Fayoum, « presque photographique ».

Portrait du fayoum - 
jeune femme - Wikimediacommons
Portrait du fayoum –
jeune femme – Wikimediacommons

Il faut attendre la Renaissance pour saisir une notion d’individualité dans les portraits réalisés de grand personnage.

Avec l’apparition des portraits photographiques, le privilège d’être portraituré tombe, l’ensemble des classes sociales en vient à poser. Les peintres ont ensuite détourné le portrait de son objectif social au service de leurs peintures et de leurs visions techniques et univers personnel. Les célèbres portraits de Dora Maar par Picasso, en sont de parfaites illustrations.

5) La gravure

Adam et Eve par Albrecht Durer, 1504 - photo wikimediacommons
Adam et Eve par Albrecht Durer, 1504 – photo wikimediacommons

Pendant des siècles ce fut l’unique technique de reproduction des œuvres en deux dimensions. Le développement de la gravure fut lié à la fabrication du support papier (première des innovations citées). Nous avons tous en tête les gravures japonaises anciennes réalisées à l’aide de motifs sur planche de bois. C’est plus tardivement que l’usage de la gravure se généralise en Europe. A partir du XVe siècle et notamment pour véhiculer des idées religieuses ou politiques. Un des plus grands graveurs du XVIe siècle, Albrecht Durer aura une influence considérable.

A la fin du XIXe siècle l’arrivée de procédés photomécaniques vient donner une autre dimension à la reproduction et la gravure perd de son exigence. Puis le numérique de ces dernières décennies permet à toute personne équipée de reproduire une image ou un document.

6) La camera obscura

Camera obscura, photo @Stefan Kuhn
Camera obscura, photo @Stefan Kuhn

De quoi s’agit-il ? En pratique il s’agit d’une boite dans laquelle la lumière reflétée par les objets entre par un petit orifice et projette une image inversée de l’extérieur sur la surface opposée.

Nous ne sommes pas ici dans la recherche de la perspective comme étudiée mais plutôt dans l’idée de transposition en gros plan. L’idéal pour des peintres du Nord de l’Europe au XVIIe siècle qui recherchaient l’hyper réalisme. Un peintre comme Johannes Vermeer en a très probablement fait usage. Et puis après une relative indifférence ce système joua un rôle essentiel dans l’invention de la photographie par Nicéphore Niepce.

7) La peinture en tubes

Peinture en tubes - photo @Ylanite Koppens_Pixabay
Peinture en tubes – photo @Ylanite Koppens_Pixabay

Inventée en 1841 par l’américain John G. Rand, lui-même portraitiste. Voici une incroyable innovation pour l’usage de la peinture à l’huile. L’aquarelle permettait déjà aux artistes de travailler en plein air mais le tube donna une grande liberté à la pratique. Cette idée accompagna les recherches des impressionnistes et leurs souhaits de capter la variation de la lumière au fil des heures.

8) La photographie

Appareil photo ancien - photo Pixabay
Appareil photo ancien – photo Pixabay

Une des techniques qui frappa le plus la société du milieu du XIXe siècle et qui a depuis envahit notre quotidien. La photographie est une amélioration de la camera obscura par l’introduction d’un matériau sensible à la lumière.

Pendant très longtemps la photographie demeure au service des artistes sans être considérée comme un art en soi. Il faudra attendre les avants gardes du XXe siècle et un élargissement de la conception de l’art pour faire entrer la photographie comme tel. Dès lors la photographie ne sert plus uniquement à documenter le réel. L’image mécanique continue à interroger les peintres contemporains comme l’artiste allemand Gerhard Richter avec sa série d’œuvres des «photos-peintures ».  

9) Les images animées

Au début du XXe siècle le cinéma prend de l’ampleur pour devenir un véritable phénomène social et technologique dans les années 60. Les artistes se sont investis à s’approprier cette technique à leurs manières. En 1928, nous avons « Un chien andalou » de Salvador Dali et Luis Bunuel qui illustre le rêve éveillé. Andy Warhol avec « Sleep » qui filme un dormeur pendant plus de 5 heures et qui pose l’une des caractéristiques de la vidéo artistique. Pas de montage. En 1960, Nam June Paik introduit des postes de télé dans ses œuvres.

TSC color bar calibration (for Video Flag Z by artist Nam June Paik) photo wikimediacommons
TSC color bar calibration (for Video Flag Z by artist Nam June Paik) photo wikimediacommons

Puis dans les années 1970, la vidéo sert à filmer les performances comme le fait notamment Bill Viola. La vidéo est une technique très utilisée par les artistes mais plus expérimentale que liée au marché de l’art.

10) Le numérique

Qu’est-ce que le numérique et son lien avec l’art ?

Illustration des données numériques - photo Pixabay
Illustration des données numériques – photo Pixabay
 

La possibilité de traiter des données numérisées va fortement modifier la manière de produire des images. Avec cette technologie il n’y a plus de geste, mais simplement l’ajout d’une valeur à une base de données.

A l’inverse de la photographie argentique, celle numérique ne fixe pas les changements physiques provoqués par la lumière. Les artistes vont s’intéresser aux limites du numérique : Comment par exemple représenter une œuvre numérique sans support ? Ou comment retransformer des données en objet physique ?

La notion d’œuvre originale si importante pour l’art, est alors bousculée par cette technologie. Le processus du numérique fait que toute image est nouvelle, les sources et la combinaison finale.

En bref

Chacune de ces 10 innovations ont conduit les artistes à changer et à s’interroger sur leurs pratiques. Ces inventions expriment également cette idée de transformation permanente de l’art au fil du temps.

Si vous souhaitez découvrir un autre article abordant l’évolution de l’art à travers l’histoire je vous invite à lire Qu’est ce qu’un mouvement en peinture ?

On pourrait continuer avec des dizaines d’autres inventions ou idées, d’ailleurs si vous souhaitez un autre article sur ce sujet -soyez libre de nous laisser vos commentaires.

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Par Nicolas Samson Agnez,

Fondateur et directeur de l'AGNEZ ART GALLERY, galerie d’art contemporain nomade, Nicolas SAMSON-AGNEZ est un fervent défenseur de l’innovation dans le monde de l’art. Il crée les Collections(é)Mouvantes , un ensemble d’expositions sur mesure, thématiques et itinérantes à l’image de la galerie. Il est également Commissaire d’exposition et Consultant en Art pour les entreprises, les collectivités et particuliers. Habitué de la prise de parole en public, dans une volonté d’échange et de partage d’expériences, il anime des conférences et accompagne les artistes.

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