10 œuvres d’Art reprises et détournées par le monde entier

Qui a dit que les œuvres d’art n’avaient pas de place en dehors du musée ? Personne ! En tout cas, personne chez Cultur’easy… Parce qu’on est passionné par le sujet, on a décidé de vous préparer un top 10 des œuvres d’Art inlassablement reprises et détournées dans le monde entier par la publicité et la Pop culture ! Pour ne pas vous perdre en chemin, ce tour d’horizon est organisé de manière chronologique, de la Renaissance jusqu’au XXe siècle.

1. La Cène de Léonard de Vinci, 1495-98

On commence ce top par une des fresques les plus célèbres du monde : La Cène de Léonard de Vinci. Peinte entre 1495 et 1498 pour le couvent de l’église Santa Maria delle Grazie à Milan, elle représente le dernier repas du Christ, accompagné de ses apôtres et de Judas. Cette fresque a été commandée par Ludovico Sforza, Duc de Milan, admirateur du peintre. Or, Vinci est un homme caractériel et perfectionniste. Pour lui, “la beauté est dans les détails”.

Pendant quatre ans, il travaille sur cette œuvre magistrale de 4 mètres de haut sur 8 mètres de large ! Mécontent de ce délai de production, Sforza s’en plaint à l’artiste. Vinci se venge alors en s’inspirant du visage du Duc pour peindre celui de Judas. Terminée en 1498, la fresque déplaît profondément. Ce n’est qu’au XXe siècle qu’elle reçoit enfin le succès qu’elle mérite. Elle est aujourd’hui considérée comme un chef-d’œuvre malgré l’usure du temps. La Cène de Léonard de Vinci a été reprise et détournée inlassablement par Astérix, les Simpsons, Bugs Bunny, l’univers de Mario et Luigi… En 2020, un dernier détournement l’adapte à l’actualité et à la dure réalité des réunions en visioconférence. En effet, on peut y voir le Christ, seul à table, mais sur ZOOM avec ses apôtres ! 

2. La Joconde de Léonard de Vinci, 1503-06

La seconde œuvre de ce top a aussi été réalisée par Léonard de Vinci. La Joconde, le tableau le plus célèbre du monde, est conservée au Musée du Louvre. Célèbre pour son sourire mystique, l’histoire de cette œuvre n’en est pas moins rocambolesque ! Elle a probablement été commanditée par Francesco del Giocondo, un riche florentin, pour immortaliser sa femme, Lisa. Comme on vous l’a dit, Vinci est un perfectionniste : il n’a donc jamais livré le tableau ! L’œuvre fait partie de ses affaires lorsqu’il vient s’installer en France à la cour de François Ier en 1516.

A son décès en 1519, le portrait dit de la Joconde intègre les collections d’Art royales françaises. Volée en 1911 par un ouvrier italien qui travaillait au Louvre, elle est retrouvée en 1914. Depuis, elle n’a depuis plus jamais quitté le sol français, ni le Louvre. La Mona Lisa est ainsi devenue le tableau le plus célèbre de l’Histoire. Elle a été détournée des milliers de fois par les publicitaires. Les plus grands artistes du XXe siècle se sont aussi amusés à la peindre dans leurs propres styles : Marcel Duchamp, Salvador Dali, et même Le Chat de Geluck. Plus récemment, elle a même été représentée avec des rouleaux de papiers toilette dans les bras ou portant un masque chirurgical… 

3. La création d’Adam de Michel-Ange, 1508-12

Au même moment que la création de la Mona Lisa, Michel-Ange, autre grand artiste de la Renaissance Italienne, commence à travailler sur les plafonds de la Chapelle Sixtine. Pour l’anecdote, la Chapelle Sixtine est le lieu où les cardinaux se réunissent pour élire un nouveau pape. En 1504, le pape Jules II commande à l’artiste une fresque portant sur les différents grands épisodes de la Genèse dans l’Ancien Testament. Au centre, Michel Ange choisit de représenter une scène très épurée, pour l’époque et son style : la création d’Adam. Plus précisément, il donne à voir le moment où Dieu, porté par les anges, tend son doigt pour entrer en contact avec la main d’Adam et ainsi lui donner le souffle de vie !

Bien loin de sa signification, les mondes de la publicité et la Pop Culture ont immanquablement détourné cette image. Vous devez sûrement vous rappeler de cette pub pour Lay’s où Dieu tend un paquet de chips à Adam ! Même les pouvoirs publics s’emparent de cette œuvre pour leur communication. En 2020, le Ministère de la Culture et de l’Information en Ukraine l’a détourné pour promouvoir les gestes barrières. On y voit Dieu aspergeant les mains d’Adam de gel hydroalcoolique !

4. La Laitière de Johannes Vermeer, 1658

Ce top ne pouvait pas faire l’impasse sur le plus grand détournement publicitaire de l’Histoire de l’Art. Peinte en 1658, La Laitière de Johannes Vermeer représente une femme dans un intérieur épuré versant humblement du lait dans une cruche. Par le jeux de lumière dans la pièce, cette femme anonyme incarnerait les vertus de l’humilité.

Dès sa création, La Laitière est un véritable succès ! Elle est considérée comme une des œuvres majeures du maître hollandais. Le tableau est aujourd’hui exposé au Rijksmuseum à Amsterdam. Si nous la connaissons si bien en France, ça n’est pas pour sa beauté simple, mais pour son utilisation publicitaire. En 1973, la marque alimentaire La Laitière choisit le personnage Vermeer comme logo. Et oui ! Il vous suffit d’aller au supermarché, rayon yaourt, pour admirer cette œuvre emblématique de la peinture hollandaise.  

5. La jeune fille à la perle de Johannes Vermeer, 1665

Johannes Vermeer est un des grands maîtres de l’art hollandais à l’époque Moderne et un contemporain de Rembrandt. Malheureusement, suite à son décès en 1675, il tombe dans l’oubli. Il ne fut redécouvert qu’au XIXe siècle. C’est au cours du XXe siècle qu’il prend enfin sa juste place dans l’Histoire de l’Art et dans la culture populaire. Une autre de ses huiles sur toile est justement devenue célèbre à cause de ses détournements. Il s’agit de La Jeune Fille à la perle, peinte en 1665 et aujourd’hui exposée dans un musée à La Haye.

Si le nom de cette œuvre vous dit quelque chose, c’est qu’elle est le sujet du best-seller au titre éponyme : La Jeune Fille à la perle de Tracy Chevalier publié en 1999. Le livre a été adapté au cinéma en 2003. La très belle Scarlett Johansson incarnait justement cette jeune femme, tournée de trois-quart, portant un turban bleu et une perle comme boucle d’oreilles. Johannes Vermeer était lui incarné par Colin Firth. De quoi en prendre plein les yeux ! 

6. La Liberté guidant le Peuple de Eugène Delacroix, 1830

Aux armes citoyens ! La Liberté guidant le Peuple, peinte par Eugène Delacroix en 1830, est une impressionnante huile sur toile de 2,60 m de haut par 3,25 m de large, aujourd’hui conservée au Musée du Louvre. Le personnage féminin au centre, Marianne, est devenue l’icône de notre République française et l’icône mondiale de la Démocratie.

Si nous connaissons si bien cette œuvre en France, c’est qu’elle est dans tous les manuels d’Histoire, bien souvent pour illustrer le chapitre sur la Révolution Française. Or, ce tableau représente une autre insurrection civile, celle des 27, 28 et 29 juillet 1830. En effet, pendant trois jours, le peuple français se révolta pour renverser le roi Charles X et installer Louis-Philippe, duc d’Orléans, à la place !

Inspiré par les mouvements de foules, Delacroix crée ici ce qui deviendra l’imaginaire international de la révolte citoyenne. Trente ans plus tard, Victor Hugo s’inspire du jeune révolté à droite de Marianne pour créer le personnage de Gavroche dans Les Misérables. Inlassablement reprise dans la publicité, il est aussi remarquable de voir qu’elle est régulièrement détournée en France par les mouvements citoyens et sociétaux, brandissant un crayon suite aux attentats de Charlie Hebdo ou portant un gilet jaune…

7. Le Déjeuner sur l’herbe d’Edouard Manet, 1863

On continue ce top avec un autre artiste français, parfois considéré comme un des pères de l’Impressionnisme : Edouard Manet. Il est connu pour s’être détaché de la peinture académique (entendez celle qu’on apprend aux Beaux-Arts) par la peinture de scènes de la vie mondaine. Au milieu du XIXe siècle, représenter des femmes et des hommes dans les bars ou aux bals était extrêmement novateur. Le Déjeuner sur l’herbe fait partie des chefs-d’œuvre de l’Art français et de ce nouveau genre de peinture.

La toile représente deux hommes et deux femmes faisant un pique-nique dans un sous-bois. La particularité de cette œuvre réside dans le fait que les deux hommes sont habillés alors que les deux femmes ne le sont pas. Celle à l’arrière plan est recouverte d’un léger tissu blanc, alors que celle au premier plan est intégralement nue et regarde le spectateur. Brisant ainsi le quatrième mur du tableau et la morale de l’époque en peignant des prostituées au travail, l’œuvre est refusée au Salon officiel. Elle est donc exposée au Salon des Refusés de 1863. C’est le début d’un succès qui ne sera jamais démenti.

Picasso rend hommage à Manet en peignant à son tour un Déjeuner sur l’herbe. Si les détournements sont nombreux, c’est le monde de la publicité qui en a réalisé le plus ! La réinterprétation la plus remarquable a été faite par Yves-Saint-Laurent. Les deux hommes discutant sont cette fois-ci nu. La femme au premier plan n’est autre que Kate Moss, vêtue d’un tailleur-pantalon, et fixant le spectateur d’un regard plein de défis.

8. Portrait de l’artiste de Vincent Van Gogh, 1889

Remarquable artiste néerlandais ayant vécu en France, Vincent Van Gogh eut une très courte carrière. Rejeté par son maître à penser Gauguin, il passe les deux dernières années de sa vie à Arles. En deux ans, il y peint deux cents toiles. Très instable mentalement, il est tristement célèbre pour s’être coupé l’oreille en 1889. Il se suicide un an plus tard d’une balle dans la tête. Inconnu de son vivant, Van Gogh aurait pu tomber dans l’oubli. Mais son frère, Théo, marchand d’art, se bat pour le faire connaître. Van Gogh devient ainsi le modèle du peintre bohème, inconnu de son vivant mais célèbre dans la mort.

La vivacité de sa touche et la profondeur poétique de scènes de vie paysanne séduisent les collectionneurs. Van Gogh est considéré aujourd’hui comme l’un des peintres majeurs du Post-Impressionnisme. Pendant ces deux années à Arles, il a réalisé de nombreux autoportraits. Les plus célèbres sont Autoportrait à l’oreille bandée conservé par la Fondation LVMH ou Portrait de l’artiste (sur un fond bleu clair) exposé au Musée d’Orsay. C’est ce dernier qui a été largement repris par la pop culture. Les Simpson s’emparent du tableau et remplace le peintre par Willie le jardinier, lui aussi roux et revêche. 

9. American Gothic de Grant Wood, 1930

Il n’y a pas que des artistes européens dont on peut voir les œuvres reprises et détournées. Il existe même une œuvre dont vous connaissez plus les détournements que son titre. Vous savez, cette peinture représentant un couple de fermiers devant une maison blanche ? Elle est très reconnaissable car le personnage masculin à l’air farouche tient une fourche. Oui, exactement cette œuvre qui a marqué les esprits français dans le générique de Desperate Housewives !

Vous la reconnaissez du premier coup d’œil quand elle apparait dans une publicité, mais vous êtes incapable de vous souvenir de son titre ou de son peintre ? C’est normal ! American Gothic a été réalisé en 1930 par Grant Wood. Artiste américain à la réputation régionale, on est loin ici des titans de l’Histoire de l’Art. Cette œuvre a pourtant connu un véritable succès dès sa réalisation par sa représentation de l’Amérique profonde pendant la Grande Dépression. Par la suite, elle a régulièrement été reprise dans la culture populaire : The Rocky Horror Picture Show, Desperate Housewives, Les Simpson. On retrouve même des ré-interprétations chez Disney, dans La Belle et la Bête ou encore Mulan !

10. Nighthawks de Edward Hopper, 1942

On termine ce top avec une œuvre d’un grand peintre américain cette fois-ci : Nighthawks d’Edward Hopper. Ce dernier est connu pour ses représentations de personnages solitaires dans des décors contemporains et épurés.

Nighthawks est divisé en deux parties : la première dans des tons de bleus montrant une rue vide la nuit, typique des grandes villes américaines ; la seconde dans des tons de jaunes montrent des clients esseulés au bar d’un diner. La modernité de cette peinture, avec son contraste de couleurs et sa représentation pertinente de la solitude, lui vaut son succès. Elle est considérée comme une des œuvres les plus importantes de l’Art américain des années 40.

Vendue immédiatement après sa réalisation à l’Art Institute de Chicago, elle est l’icône de cette nouvelle peinture américaine. Son succès lui vaut d’être cité et ré-interprété de multiples fois. La dernière en date est une des reprises les plus drôles : les personnages sont accompagnés d’un Bernie Sanders en mouffles ! L’œuvre devient ici un meme, et ça, chez Cultur’easy, on adore !

Pour découvrir encore plus d’articles inspirants, téléchargez l’application Cultur’easy sur Applestore ou Playstore.

Par  Eva Szereda ,